Trascendenza e amore, il Lohengrin torna sul palco del Verdi di Trieste

Dopo un lungo periodo lavorativo al teatro dell’opera di Dresda, nell’estate del 1845 Richard Wagner si era ritirato a Marienbad per una cura termale, portando con sé – scrive nell’autobiografia Mein Leben - «soltanto letture facili, dai poemi di Wolfram von Eschenbach all’epopea anonima di Lohengrin…e sdraiato presso un ruscello mi distraevo in compagnia di Titurel e di Parsifal, personaggi così insoliti e tuttavia così familiari.

Un giorno il personaggio di Lohengrin si presentò all’improvviso in armi davanti ai miei occhi, così come alla mente si delinearono tutti i particolari della forma drammatica da dare a quel soggetto e la leggenda del cigno agitò di colpo la mia immaginazione destando un’attrattiva irresistibile…» Da qui la scintilla che, per tre anni, ne sostenne l’estro compositivo fino al compimento nel 1848 di una partitura che rappresenta lo snodo cruciale di tutta la sua produzione ed è anche una delle sue opere più conosciute.

A Trieste è stata rappresentata per la prima volta nel 1876 diretta da Luigi Mancinelli e, da allora, altre quindici produzioni si sono succedute sul palcoscenico del Teatro Verdi, fino all’ultima andata in scena nel 2005. Oggi l’intrepido cavaliere sulla navicella trainata dal bianco cigno ritorna a Trieste, pronto al debutto di domani alle 17, nel nuovo allestimento della Fondazione Teatro Lirico G.Verdi per la regia e scene di Arnaud Bernard e la direzione musicale del Maestro Enrico Calesso. «La partitura di Lohengrin costituisce l’esempio massimo di opera romantica innanzitutto per l’ideale di coesione politica, religione e destino individuale che ne sta al fondamento. È il rapporto tra giustizia, santità, redenzione e amore terreno che la musica di Wagner – precisa il Maestro Calesso - porta sul palcoscenico indagandone in modo potentissimo le insanabili contraddizioni. Simbolo centrale di questo rapporto è l’amore di Elsa e Lohengrin, la cui impossibilità è di natura metafisica: se Lohengrin il salvatore fallisce nel suo tentativo di ricondurre il mondo reale, il mondo dei conflitti, delle emozioni e dei sensi alla trascendenza, Elsa la sognatrice è tristemente consegnata all’inadeguatezza costitutiva che le impedisce di appartenere alla trascendenza, ben rappresentata dall’infrazione del tabù delle domande sulla natura e sulla provenienza misteriose dell’amato». Per descrivere l’incompatibilità tra le due figure Wagner ricorre a un impianto tonale che esprime la massima dissonanza possibile in musica, vale a dire l’intervallo di tritono.

«Se la tonalità scelta per esprimere la dimensione del Graal, da cui Lohengrin proviene – spiega il direttore - è quella di la maggiore - all’epoca associata per le sue caratteristiche timbriche all’espressione di stati spirituali di limpida serenità e distesa armonia – è la tonalità di mi bemolle maggiore a costituire il centro armonico del linguaggio musicale in cui Elsa si esprime.

La contraddizione tra trascendenza e immanenza viene inoltre caratterizzata da una continua dialettica dei timbri orchestrali, in una gamma infinita di gradazioni che vanno dal suono argenteo e astrale associato a Lohengrin ai colori scuri e profondi assegnati agli abissi di cui Ortrud è manifestazione, dalle melodie estatiche e piene di rara intimità che sono appannaggio di Elsa ai ritmi sincopati e ai duri e affilati contrasti del mondo cavalleresco in cui la vicenda si svolge».

Una peculiarità di questo capolavoro è anche rappresentata dalla particolare scrittura delle parti vocali, concepite specificatamente per il primo cast di interpreti, per cui il ruolo di Elsa «presenta in larga parte una cantabilità lirica del registro medio ed è insolitamente parca di acuti drammatici e passaggi di “lama” tagliente. Al contrario, la parte di Ortrud risulta ricca proprio delle caratteristiche opposte e presenta un registro acuto di forte drammaticità».

Infine, conclude Calesso «per il maestro concertatore non trascurabili sono le grandi innovazioni testuali e di struttura compositiva che fanno intravvedere alcuni dei principi fondanti della produzione wagneriana immediatamente successiva. Nella composizione la parola ha un’importanza enorme perché la musica scaturisce dalla declamazione e quest’ultima gli interessa solo se serve al teatro. Per cui bisogna far scaturire suono, fraseggio e colore dalla partitura proprio attraverso la parola. In questo modo esplodono i grandi colori orchestrali e anche quelli che, insieme alla propria tonalità, delineano tutti i protagonisti».

In questa occasione e in linea con i principali teatri internazionali, il Teatro Verdi di Trieste vuole rendere ulteriore omaggio a Richard Wagner seguendo le indicazioni dello stesso compositore in merito alla durata ideale degli intervalli per la migliore fruizione delle sue opere, nell’ottica non solo del riposo dei cantanti, coro e orchestrali ma anche di permettere al pubblico di assimilare ed elaborare emotivamente quanto appena ascoltato, prima di reimmergersi nell’atto successivo.

Quindi, per tutte le repliche, l’opera della durata di complessiva di circa 5 ore si articola in tre parti nel modo seguente: 1)Prima parte un’ora e 5 minuti circa 2) primo intervallo di un’ora 3) Seconda parte un’ora e 25 minuti circa 4) secondo intervallo di trenta minuti 5) Terza parte di un’ora e 5 minuti circa.